什么是节奏

什么是节奏相关话题近期引发广泛关注，我们特别整理了多维度信息 ，希望能为您提供有价值的参考 。

节奏（rhythm）是音乐在时间上的组织
。

音乐中的节奏概念是很宽泛的
，从最宏观的角度看，它可以说是音乐的"进行" ，这个概念包括了音乐中各种各样的运动形态，既有轻重缓急
，也有松散与紧凑；具体些说，节奏包括节拍和速度这两个概念 ，前者是指音乐规律性的强弱交替的运动
，即拍点的组合，后者是指这种律动的速率。

一、节拍（metre）

节拍是按拍号要求相隔一定时间反复出现重音的模式 ，或者说
，它是固定的强弱音循环重复的序列 。每一种节拍都由时值固定的单位构成，这种节拍单位叫做拍子（time）。

拍子的时值可以是四分音符 、二分音符 ，也可以是八分音符
。节拍通常用分数来标记
，分子表示每小节中单位拍的数目，分母表示单位拍的音符时值 ，例如2/4
，它的含义是 "每小节有两拍，每拍是四分音符" ，或简单地说"每小节有两个四分音符"。下面是一些常见的拍子：偶数类，有2/2（每小节有两个二分音符）
、2/4、4/4 、4/8（每小节有四个八分音符）等
，这些偶数节拍是对称的，带有行进的特点；奇数类 ，有3/2（每小节有三个二分音符）、3/4
、3/8、6/4 、6/8
、9/8等；它们听上去带有旋转性
，因此常常和舞曲有关 。

在乐谱上标记节拍的方法，除了上面这些2/4、3/4以外 ，还有小节线
，这短短的垂直线，将音符隔成一个个有规律的强弱交替的单位 ，看起来很直观
。通常小节线后面的第一拍是强拍
，如2/4，这是进行曲常见的节奏 ，它是一强一弱的交替
，而3/4，如圆舞曲 ，则是一强两弱的交替。假如拍数超过三个，则会出现两个不一样的强拍
，如4/4，是强－弱 ，次强－弱；6/8
，是强－弱－弱；次强－弱－弱 。

以上我们说的这种有规律的拍子在音乐中处处可见
。但实际上这只是一种节奏概念，音乐还可以不是这样的 ，除去民间音乐中自由的形态不算
，有许多作曲家为了给人以新鲜感，偏偏要打破节奏中的规律性 ，在该出强拍的地方闪过去不出现
，而在弱拍位置却重重地来一下子，让听者出乎意料。这在20世纪的音乐中十分常见 ，而实际上早在18世纪贝多芬就用过这种手段
，还让当时的保守人士感到十分不满 。这里有个很好的例子--斯特拉文斯基作于1913年的芭蕾舞音乐《春之祭》
。这部舞剧描绘的是史前人原始祭祀的情景，其疯狂而野蛮的音乐风格曾让人大为愤怒 ，甚至引起了音乐史上空前绝后的剧场骚乱，但后来它很快就成为20世纪的经典之作了。斯特拉文斯基在这里的节奏运用相当精彩
，这是他造成整体艺术风格的一个极为重要的因素 。《春之祭》中的第二段音乐《春天的前兆和青年男女之舞》，谱子上写的是两拍子 ，但由于人为地改变了原有的强音和弱音的位置
，原来的古典式感觉被破坏了
。

我们可以想像，这时候的乐队指挥肯定不能根据两拍子规律来舞动他的胳膊了 ，而是要按照实际重音来打拍子。

在古典音乐中
，只要乐谱开头标出2/4 、3/4或者4/4这样的节拍标记，后面就基本上不再变化了 ，而在现代音乐中却常常要改变拍子记号
，比如《春之祭》中《春之轮舞》，它的第一小节是5/4拍 ，第二小节是7/4拍
，第三至第五小节是6/4拍，第六小节又是5/4拍 ，如此频繁的变化，给人以非常不稳定的感觉 。而由于这里的强拍不突出
，所以给人的整体感觉是松散的，缺少推动力的。

假如同样是这种频繁变换的拍子 ，把重音加强
，听上去就会是另一种感觉了
。如《春之祭》的最后一曲《当选少女之舞》的开头一段。所谓"当选少女"就是在祭祀活动中被众人选作献给大地的祭品的少女，她要狂舞直到死亡 ，这就是祭祀仪式的高潮和结束部分 。作曲家在这里用了极为刺激的音响
，节奏变化多端，差不多是一小节一种拍子 ，如开始的四小节
，分别是3/16
、5/16、3/16 、4/16，而那些重音带来的冲击感相当强烈
。

在这里 ，非规则节奏的效果不同寻常
，试想一下，假如换成古典式的有规律的节奏 ，那种疯狂而野蛮的感觉是无法表现出来的。

背离传统节奏概念的方式有多种多样，除了上述的"人为改变重音位置"和"频繁改换拍子"以外
，还有复合节奏，比如在管弦乐队里 ，弦乐声部是三拍子
，而铜管声部则是四拍子，两个不同律动的流层合在一起 ，形成了复杂的
、多元化的音响效果 。

二、速度（tempo）

速度是指节拍的速率
。它大致可以分为三大类：慢 、快和适中。

速度术语一般记在乐谱开头
，它大多是意大利语（也有时采用本国语） 。

常用的速度标记如下：

慢速类： Large 广板

Grave 非常缓慢庄严而缓慢

Lento 慢板

Adagio 柔板

中速类： Andante 行板

Andantino 小行板

Moderato 中板

快速类： Allegretto 小快板

Allegro 快板

Allgero molto 很快的快板

Vivace 活泼的
、轻快的

Presto 急板

Prestissimo 最急板

除了这些术语以外，还有时采用比较精确的标记 ，比如＝88
，意思是一分钟演奏88个一拍，＝88 ，则是一分钟演奏88个二分音符
。在音乐专用的节拍器上可以看到这些的速率
，可以想像，这样的标记对指挥家和演奏家的指令就比较确切了。还有些作曲家对速度的控制非常严格 ，他会给演奏者规定具体的演奏时间，例如在乐谱上标明“本乐章演奏8'55" ”字样 。

速度是音乐节奏的一个重要内容
。同样是三拍子
，用快速，会给人以活泼明快的感觉 ，而用慢速
，就会获得优雅、闲适的效果。通常快的节奏是比较令人兴奋的，它和我们激烈运动时的心跳 、呼吸相对应 ，而慢的节奏则使人心态平和
，情绪稳定 。一股地说，表现激动、兴奋
、欢乐、活泼的情绪 ，是与快速度相配合的；表现阳光明媚 、春色满园的大自然风光时则往往和适中的速度相配合
，而宏大的颂歌
、沉痛的挽歌、深深的回忆等则多与慢速度相配合。

下面是几个实例：

巴赫（Bach）第一布兰登堡协奏曲第二乐章是柔板，它能给人一种安详平宁的感觉
。这首柔板采用的是三拍子 ，由于速度慢
，旋律悠长，我们几乎感觉不出来它的强弱拍子的交替。

曲例四：巴赫第一布兰登堡协奏曲第二乐章柔板

这部协奏曲的第三乐章是快板 ，它是6/8拍，即每小节有6个8分音符
，它实际上是两个3/8拍的组合（强－弱-弱，次强－弱－弱） 。

同样是三拍子 ，由于速度不同
，效果完全不一样
。这首快板是活泼热烈的，律动感很强 ，因此音乐有一种向前推动的动力。

曲例五：巴赫第一布兰登堡协奏曲第三乐章快板

在一首作品当中作曲家有时会改变速度
，来造成情绪上的对比和变化 。我们在前面谈到音区和力度时，曾例举了斯特拉文斯基的芭蕾舞音乐《火鸟》的终曲 ，另一个是格里格的《培尔.金特》组曲中的《在山大王的宫中》
，其中的节奏特点都是从慢变快，《火鸟》的终曲在变快了之后 ，又回到慢速
，极有效果
。

现在让我们来对照着欣赏两首小曲，它们的关系十分有趣 ，前者是后者的改编，由于速度不同
，面貌全非。前者是法国作曲家圣－桑（Saint-Saens）的组曲《动物狂欢节》中的《乌龟》 。乌龟的特点是动作慢，所以作曲家用了很慢的速度来描写它的形象 ，而后者是这首曲子旋律的来源--法国作曲家奥芬巴赫（Offenbach）的一首快速舞曲
。

谱例四：圣－桑组曲《动物狂欢节》中《乌龟》主题（奥芬巴赫《康康舞曲》主题）

曲例六：圣－桑组曲《动物狂欢节》中的《乌龟》

曲例七：奥芬巴赫《康康舞曲》

一般来说
，快的节奏令人兴奋或紧张，慢的节奏给人安详从容的感觉。但这也不是绝对的 ，还要看与节奏相配合的其他要素
，如音区 、力度以及音色等等 。在影视配乐中，作曲家常常要使音乐节奏与画面节奏相配合 ，以渲染气氛
，但他们常常会用"反衬"手法，比如画面特别紧张
、镜头剪接非常迅速的时候 ，音乐却是慢速的
，这种时候往往会产生十分有效的结果，这就是令观赏者更加紧张 ，或者是加大了空间感
。比如在描写越战的**《野战排》中，有一组镜头相当激烈
，飞机在天上连续地向地面扔炸弹，大地一片火海 ，许多人在挣扎、流血
，而音乐却用了美国作曲家巴伯（Barber）的一首为弦乐队而写的"柔板"，速度很慢 ，节奏气息宽广
，旋律是长线条的，其效果惊人地好 ，观影者在眼前一片灾难的时候
，不仅仅是被血肉横飞的场面震惊，而更多的是从宏观的角度 、从人类历史的角度进行思索 ，由此产生对战争的痛恨
，对生命的珍惜，对和平的渴望。

旋律（melody）也称作曲调 ，是一连串乐音的有组织的进行 。

与其他要素相比，旋律在音乐中的地位最突出
，自然也就是最主要的表现手段。可以说，任何人在听了一首作品之后 ，首先记住的就是旋律
，它是可以由我们哼唱出来的，而其他要素如单纯的音区
、力度、节奏 ，离开了旋律
，简直就无法独立存在，所以有人说 ，旋律是音乐的灵魂
。不过
，在有些音乐中，旋律并不占有至高无上的地位 ，比如二十世纪的一些新颖独特的作品
，是以音色为主要的构成因素，而非洲的鼓乐则主要是由各种节奏组合而成的。限于篇幅的原因 ，本节内容不涉及这一类特殊的音乐 。

旋律和我们的日常语言关系十分密切，最早的音乐
，它们旋律的曲折变化，是依附于语言本身的 ，可以说
，它就是将语言中的音高加以夸张得来的
。比如我们中国人的吟诗，就是将诗句用较为音乐化的调子朗读出来 ，西方古老的圣咏也是这样。后来渐渐地有了不依附于语言的音乐旋律
，但如果仔细想想，这些形态各异的旋律仍然和语言有着深层的关系 ，比如曲折婉转的旋律
，有如亲切的谈话；短促有力的旋律，很象是命令或惊叹的口气；下行的旋律就如同我们日常生活的熟悉的叹气声 ，它往往用来表现哀伤的哭泣或沉重的叹息 。

正因为旋律具有情感色彩
，它能引起人们情感上的共鸣
。作曲家就利用这一特征，来写作表现各种各样情绪的旋律。例如贝多芬（Beethoven）第五交响曲末乐章的开始部分：

谱例一：贝多芬第五交响曲末乐章主题

曲例一：贝多芬第五交响曲末乐章主题

它的旋律是有主和弦分解而成的号角音调 ，棱角分明，具有英雄气概 。这种旋律特性是贝多芬的一个鲜明的标志
，是他的个性语言
。

再举一个例子，这是柴科夫斯基（Chaikovsky）的第六"悲怆"交响曲的末乐章主题 ，以下行音调为主
，听上去有如哭泣一般：

谱例二：柴科夫斯基第六交响曲末乐章

曲例二：柴科夫斯基第六交响曲末乐章

用来描绘悲怆情感，这旋律是非常贴切的。而在这部交响曲的第三乐章 ，柴科夫斯基描写的是年轻时的奋斗
，它的旋律则是另一种形态，高亢铿锵 ，富有阳刚之气的：

谱例三：柴科夫斯基第六交响曲第三乐章

曲例三：柴科夫斯基第六交响曲第三乐章

这条旋律显示出的是奋发向上的精神
，它也有类似于贝多芬的号角音调的特征 。

我们再来分析两条旋律，选自柴科夫斯基的幻想序曲《罗米欧与朱丽叶》
。这是受莎士比亚的同名戏剧故事启发而作的 ，讲述了一对相爱的年轻人因家族的仇恨不能结合
，最终双双殉情的悲剧故事。剧中的两个主题就是"恨"与"爱" 。作曲家柴科夫斯基用生动的笔法描绘了这两种截然不同的情感：

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